Jonas Mekas, o cómo hacer de lo cotidiano una película

“Para un artista es un desastre ser normal” Jonas Mekas

Digamos que la frase anterior me recuerda completamente al eneagrama 4: el “único, el artista incomprendido” Si no sabes qué son los eneagramas, puedes darte una vuelta por el link que dejaré al final de la entrada; son las 9 personalidades.

El personaje de hoy se trata del padre del video-diario, que nació en Lituania en 1922 y al día de hoy sigue subiendo videos con 93 años de edad. A Jonas le importa más la esencia de lo que está siendo filmado que la calidad técnica.

En la Segunda Guerra Mundia (1944) huyen de su país pero los interceptan los nazi y los llevan a un campo de concentración donde aprendió el arte teatral Stanislavsky, del que después fueron recatados por la ONU (UNHCR) a los 27 años llega a Nueva York City, y en 1954 saca junto a su hermano Adolfas la revista Film Cultare, además de tener en Village Voice una columna, pues también es poeta.

Se trata de un personaje que no puede salir de su casa sin su cámara de video; primero de rollo y posteriormente con la era digital, con una más moderna. Pareciera un niño sobreviviente en el cuerpo ya casi sin resistencia de un anciano; alegre, espontáneo e inhibido.

A los 83 años hace su página-blog, que justo acabo de revisar para subir la liga y acaba de subir un video… 

Visita el blog oficial de Jonas Mekas.Visita el blog oficial de Jonas Mekas.

Y aquí puedes ver una probada de su obra:

Walden (1969)

 

Reminiscences of a Journey to Lithuania (1971)

Sin duda un personaje simpático que merece la pena conocer, ¿ya habías oído hablar de él?

Les dejo también algo de info para los que les interese saber más de los eneagramas que mencionaba al principio: tipos de eneagrama.

El Controversial Cine de Buñuel

Esta vez nos adentraremos un poco en un peculiar personaje, entusiasta del surrealismo pero más obscuro: hablaremos sobre Luis Buñuel.

¿Y quién era este sujeto?

Contextualizando rápidamente, Luis nació en 1900 en Calanda (España) y murió en 1983 en la Ciudad de México, y fue un gran cineasta, escritor, que nació español y se naturalizó mexicano.

bun%cc%83uel
Luis Buñuel

De pequeño era muy religioso, pero desde alrededor de los 14 años comenzó a perder la fe al leer libros de Darwin, Spencer, etc.

Comenzó a estudiar ingeniería agrónoma en Madrid, donde conoció a Salvador Dalí y Federico García Lorca, aunque poco después abandonó la carrera para terminar licenciándose en filosofía y letras y en 1925—dos años después de terminar sus estudios—se trasladó a París.

De Dalí hablamos en esta entrada.

Cuando tenía alrededor de 26 años, la película “Der Müde Tod” (Las Tres Luces) de Fritz Lang, le causó tal impresión que se ofreció como ayudante de Jean Epstein, ya que comenzó a gustarle mucho el cine.

En 1925 se casa con Jeanne Rucar, y después tuvo dos hijos, llamados Juan Luis y Rafael. Tuvo que huir de España, primero a Estados Unidos, y después a México, por sus ideales políticos e ideología.

Buñuel se caracteriza por considerar que el subconsciente debe de tener perversión, maldad; lo que se vuelve una herramienta para criticar la hegemonía, las normas sociales “¿Por qué debemos de ser así?” pues la humanidad es en conjunto perversa porque no se cuestiona, sino porque se repite: la sociedad condiciona a que todo reviente.

Romper las reglas—como todas las vanguardias—es un requisito, e invitar a participar como espectador en el juego.

Entre sus películas más importantes se encuentran:

La Edad de Oro (1930)

Se trata de una película completamente surrealista; se trata de dos personas que se profesan amor eterno pero no pueden estar unidas. (Típico, ¿no?) Esta pieza fue un trabajo que realizó junto a Salvador Dalí, al igual que en “Un Perro Andaluz”.

Los Olvidados (1950)

Tenemos una visión de la condición humana que azotaba los lares mexicanos de la época; una nación cinematográficamente mediocre. Personalmente no le ha visto completa, pero considero que sería un buen material para analizar tanto discursiva como históricamente.

 

Viridiana (1961)

Una crítica a la burguesía y cristianismo, pieza por la que tacharon a Buñuel de blasfemia. (soy su fan sólo por eso)

 

Bella de Día (1967)

Considerado el ejercicio más erótico de Buñuel, critica a la burguesía y sus costumbres.

 

El Ángel Exterminador (1962)

La principal temática es la condición humana.

Para saber más de su filmografía y de él en general:

Buñuel gustaba de usar imágenes pulsivas (imagen pulsión es algo que te hace sentir repulsión e incomodidad; algo no agradable de ver) y de intercambiar reglas sociales, por ejemplo ¿qué pasaría si comer fuera una actividad privada, y coger una actividad social?

De igual manera disfruta de las repeticiones, como se ve claramente en “El Ángel Exterminador” (entran dos veces a la casa, hacen dos veces el brindis…) así como de referencias a gallinas, pollos, etc.

Para saber aún más de este controversial personaje, te recomiendo ver el documental “Historias de Vida – Luis Buñuel”

A mí en lo personal me causa entre conflicto, asombro y respeto por su atrevimiento y los discursos de sus películas. Sin duda una persona obligada de conocer si te interesa el mundo cinematográfico. ¿Qué te ha parecido la entrada?, ¡deja tu opinión en los comentarios!

Arte “Fénix”, o como usar piezas ajenas

Con la actividad de crear un poema dadaísta a partir de un periódico, comenzamos a ver como el “arte” nace de cosas ya hechas, mezcladas con nuestra subjetividad. 

Pues bien, hoy desarrollaremos lo que es el Foud Footage, y el Ready Made: ambos toman objetos ajenos para crear piezas propias, como cuando el ave fénix muere y renace, estos estilos se basan en tomar, masticar y vomitar en algo nuevo y, aunque muchos los han criticado—yo lo he hecho sobre todo con el Ready Made—por su aparentemente carencia de habilidad creativa o creadora u originalidad, en realidad veremos que aquellos conceptos necesitan una resignificación para poder entender mejor el campo artístico en cualquier forma.

Podría decirse que la originalidad como tal; como habilidad para sacarse cosas magnificas de la manga, y la creatividad; esa facilidad para inventar y crear, como tal… pues no existen. Nadie se inventa cosas de la nada, ni se imagina un mundo diferente si no es basado en su propio contexto.

Lo veremos desde otra perspectiva: las historias, personajes, pinturas, poemas, leyendas, etc… se han creado a partir de referencias culturales tales como tradiciones, mitología, religiones, historias populares, idioma, comida, otras historias o cuentos a los que haya estado expuesto, y un largo etcétera. Entonces si alguien lograra inventar algo completamente original (sin “copiar” otras historias de nada, ni tomar referencias culturales) no existiría nadie que pudiera entender absolutamente nada de aquello.

De esta manera, lo que en realidad es la originalidad como tal, en realidad es la reordenación y organización de datos ya existentes. ¡Así pues! Llegamos a los temas principales:

El Found Footage no es más que “collage” de otros trabajos, generalmente de otras personas. Por ejemplo, el video de Alain Resnais de “Guernica”, de la cual hablamos en la entrada de Cubismo. Dicho de otra manera, es tomar trabajos de otros para “crear” uno tuyo. En el caso de Guernica, Alain utilizó pinturas de Pablo Picasso. Puedes ver de qué hablo en esta entrada.

Si no les ha quedado claro, es usar trabajos de otros que no fueron pensados para tal fin. Yo vivo en México, así que les mostraré este hermoso video que hicieron del actual presidente (que mío no es, eh) pero es la idea: no fue pensado para hacer ese video con trozos, pero lo juntaron y le dieron otro sentido. ¡Disfrútenlo!

Ahora, pasando al Ready Made, es básicamente algo “listo”: un objeto sacado de su contexto y “volverlo” arte; se tratan de objetos de la vida cotidiana, firmados y aventados a un museo. Se supone que es una reflexión sobre el arte y sobre el objeto. 

En lo personal, está interesante la idea, pero no creo que un mingitorio valga miles de dólares, solo por estar firmado *inserte emoji muerto de risa* si lo piensan así, es como el dinero: literalmente el billete es un trozo de papel, y solamente tiene el valor que tiene porque pensamos que lo tiene, y todos nos pusimos de acuer… esperen… *se hace bolita y reflexiona sobre el paralelismo del asunto*

duchamp-644x462
“La Fuente” por Marcel Duchamp (1917)

Si no me creían, ya lo tienen: un mingitorio es arte por la mera idea. ¿arte conceptual, o estoy confundiendo? Si sí, me corrigen en comentarios.

Aquí termina la entrada del día, espero les haya parecido interesante.

Dadaísmo, o desnaturalizando al arte

El dadaísmo—para variar, como todas las vanguardias—lo que busca es ser anti-sistema: antiartístico, antiliterario y antipoético. Cuestiona que el arte, literatura y poesía existan, y  se vuelve un estilo de vida que cuestiona la belleza eterna.

Surge en Suiza, entre los años 1916 y 1923, y pronto se esparce por toda Europa para reflejar la significancia de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y, aunque el orígen del término es confuso y difuso, la versión que más se acepta asegura que cuando estaban reunidos en el cabaret Voltaire, en Zurich, Tristan Tzara abrió un diccionario francés y seleccionaron una palabra al azar, fue la de Dada“, o “caballito de juguete” lo que salió de ahí.

Así que sí; su origen pareciera ser tan sinsentido como los títulos de Dalí para sus obras. Es más; haré el ejercicio y me inventaré mi movimiento: no tenía ni en español ni francés a la mano, pero curiosamente encontré uno en latín, “Committismo” viene de committis que significa “unir dos palabras” bueno, hm… sigamos.

Regresando al dadaísmo, busca la protesta, romper con la tradición y las naturalizaciones sociales de la época, defiende el caos contra el orden, y la imperfección de la perfección, y así es como Marcel Janco, Jean Arp, Marcel Duchamp, Hugo Ball y Tristan Tzara se convierten en los principales exponentes.

Para darnos una idea de qué iba con ellos, les mostraré una obra de cada uno a continuación:

acc1d168ae1c52eed9c38cd777549c23_euresponsive_4
Ball in Zurich (1917) Janco, Marcel, óleo sobre lienzo, The Israel Museum, Jerusalem
220px-hansarp-cloudshepher1953
Pastor de Nubes (1953) por Jean Arp, bronce. Actualmente se encuentra en Plaza Cubierta de la Ciudad Universitaria, Caracas, Venezuela.
tristan-tzara-sans-titre
Sans Titre (1922) por Tristan Tzara.

Esta obra de Tristan se acaba de subastar en diciembre del año anterior en París, y estaba valorada en 17,352 dlls puedes saber más aquí. 

marcel-duchamp
“La Fuente” (1917) Marcel Duchamp. Actualmente está en: Tate Modern London, UK y sí; es un mingitorio firmado.

Esta “obra” de Duchamp se considera del estilo de Ready-made, del cual hablaremos en otra entrada, y puedes ver aquí.

Fotopoema de Hugo Ball, nombrado “Caravana”, u originalmente, “Karawane” (1916)

hugoballkarawane
Karawane (1917) por Hugo Ball

Lo interesante aquí son las reglas para escribir el poema dadaísta según Tristan Tzara que, según el texto publicado en la recopilación de Siete Manifiestos Dadá, “Dadá Manifiesto sobre el Amor Débil y el Amor Amargo” VIII (1924)

¡Hagamos un experimento! Según los pasos, que enuncio a continuación, primero hay que tener un periódico, tijeras, una hoja y pegamento. Es divertido; prometo que pronto subiré mi manualidad, *cof cof* digo, mi obra de arte, pieza única dadaísta.

¡Sé un artista dadaísta! Todo mundo puede

1) Coge un periódico 
2) Coge unas tijeras 
3) Escoge en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a tu poema 
4) Recorta el artículo 
5) Recorta en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y métalas en una bolsa 
6) Agítala suavemente 
7) Ahora saca cada recorte uno tras otro concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa. 
8) El poema se parecerá a ti 
9) Y tú eres un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del vulgo.

Duh.

¿Es arte, o no es arte? Para el Dadaísmo eso no importa, ya que para hacer una pieza dadaísta no necesitas ser un artista privilegiado ni un erudito de arte.

Para saber más de cada personaje:

Marcel Janco

Hugo Ball

Tristan Tzara

Jean Arp

Marcel Duchamp

 

La Guerra que nos Consume

La vez pasada vimos lo que eran las sinfonías de ciudades, o cómo una urbe se convierte en una orquesta: algo entretenido, y hasta con aire positivo, incluso. Esta vez tocaré un tema que es odioso para unos y evitado por otros; una de las peores escorias de la humanidad: la guerra.

Dejando tras de sí una estela de muerte, pérdidas y desesperación a personas que nada tenían que ver, que eran simples peones en el juego de ajedrez de los poderosos. ¿Quién podría dar a conocer estas crueldades, estas realidades?

El fotoperiodismo de la guerra como tal nace con el pionero Roger Fenton (1819-1869), artista británico que en 1855 le designan viajar a la Guerra de Crimea para documentarla, pero teniendo cuidade de no mostrar la verdadera crueldad y masacre del conflicto bélico, para no herir la sensibilidad de las familias de los soldados. Si quieres saber más sobre la Guerra de Crimea, puedes leer algo rápido aquí.

members-of-the-4th-light-dragoons-pause-for-refreshments-1855
Miembros de 4th Light Dragoons, descansando. (1855) por Roger Fenton

Muchos sabrán a la perfección qué fueron y significaron la 1era y la 2da Guerra Mundial, motivadas por pleitos políticos, territoriales y sociales; incluso ideológicos. Guerras internacionales que sacudieron a todo el mundo. Ahora es cuando entra Robert Capa, un personaje (o personajes) dignos de qué hablar, que capturaron las atrocidades de estas guerras.

Robert Capa es el seudónimo para tres fotógrafos llamados Endre Ernő Friedmann (quien posteriormente se quedó con el nombre del seudónimo), Gerda Taro, pareja de Friedmann; y David SeymourChim“. Endre Friedmann es exiliado de Hungría, donde nació en 1913, con 16 años por su activismo en izquierda. Estudia periodismo en Berlín, y en 1936 se inventa al personaje de Robert Capa; un periodista estadounidense y su compañera Gerda Taro, y se introdujo en España. Aunque después su mentira fue descubierta, decidió conservar ese nombre.

robertcapabygerdataro
Robert Capa durante la Guerra Civil Española (1937) por Gerda Taro

Utilizan la fotografía más como crítica y reflexión, exigiendo, en vez de un material meramente informativo; se acercan y no temen de ello, o por lo menos asumen los peligros a los que estaban expuestos, pero aún así no se alejaban. Se acercaban a la gente.

No obstante, se ha creado mucha polémica y debate al aparecer la posibilidad de que muchas de sus fotografías hayan sido montajes. Por ejemplo, está la más controvertida de todas (y también de las más famosas) que es “Muerte de un Miliciano”

muerte-de-un-miliciano
“Muerte de un Miliciano” (5/sep/1936) por Robert Capa.

Aunque originalmente se llamara “El Soldado Caído”, esta fotografía, capturada en el Cerro Muriano, en Córdoba, cuando el fotógrafo tenía 22 años de edad.

La gran polémica reside en que existe otra fotografía tomada el mismo día, en el mismo lugar, pero mostrando una escena parecida, pero a la vez diferente:

mercurio-hungaro-1
Fotografía sin Nombre, (1936) por Robert Capa

Así que, como pueden ver, se abren las dudas… ¿real o montaje?, ¿maestro o estafador? La cuestión es que, para el fotoperiodismo podría ser un golpe duro, pero, ¿y si lo que ellos querían era meter la reflexión y una exigencia de cambio hasta los huesos? no sólo capturando momentos reales, sino intenciones reales. 

El debate y cuestionamiento siguen abiertos, y el documental de “La Maleta Mexicana” (2011) o el redescubrimiento de la Guerra Civil Española, trata sobre una maleta desaparecida en 1939 que apareció mágicamente en el aeropuerto de la Ciudad de México en 2007, conteniendo cerca de 4,500 negativos nunca antes vistos.

Si quieren saber más de este controvertido e interesante personaje, no está de más darle un vistazo a este documental sobre él; el hombre que se quería creer su propia leyenda.

Sin más, los dejo y espero hayan disfrutado del material, los veo en la siguiente entrada, que hablará sobre el Dadaísmo.

Tal vez te interese: Galería oficial de Robert Capa

 

 

 

Orquesta de la Ciudad

La vez pasada hablamos un poco sobre lo onírico; el Surrealismo. Esta vez toca el tema a algo más real, por así decirlo. ¡Sinfonías de Ciudades! Así es; después de la 2da revolución industrializada, la consciencia sobre lo moderno era de sentido muy común en el mundo occidental, el asombro sobre los avances tecnológicos y la urbanización en general.

De esto surge lo que anteriormente mecioné como Sinfonías de Ciudades, que no son más que presentaciones de alguna urbe al ritmo de la música, algunas incluso incluyen críticas sociales.

Por ejemplo, tenemos la sinfonía de Berlín, dirigida por Walter Ruttman y bautizada como Symphony of a Metropolis (1927) para que puedan darse una idea, les dejo la pieza aquí abajo:

Otra pieza que es muy conocida, y que toda persona debería por lo menos de ubicar, es la de El Hombre de la Cámara, o Chelovek s kino-apparatom (1929) de Dziga Vertou, que describe un día ordinario en una ciudad rusa con toques de la vida cotidiana.

Pero en lo personal, esta obra, de Jean Virgo, A propósito de Niza (1930) es una pieza de oro por la crítica social y reflexiones que incluye. Es mucho más corta que la de arriba, así que les recomiendo que le den un vistazo a ésta.

Otras obras recomendadas, y mcho más recientes: Midnight in Paris (2011, Woody Allen), Los Cuates de Australia (2013, Everardo González) y, ¡oh…! una que TIENEN que ver es la de Rhapsody in Blue (2000) es de Disney y dura únicamente 12 minutos.

Ahora bien, este es un trabajo de apropiación de la ciudad de Medellín (Colombia)

Y para ti, ¿qué música toca tu ciudad?

Velo Entre los Sueños

Los sueños le han dado a la humanidad un sin fin de temas de los cuales hablar; han sembrado y culivado curiosidad, emoción, confusión e incluso miedo: manzanas voladoras, fas retorsidad, abstractas o difusas inundan nuestras mentes cada noche, pero ¿es que acaso significan algo más que sólo delirios, o es acaso nuestra imaginación que sólo juega con nuestra mente cada que dormimos?

El Surrealismo como movimiento artístico, nacido en 1924 con el decreto de André Breton, nos habla sobre formas abstractas, figurativas simbólicas: lo que hay en el subconsciente, en el mundo de los sueños, lo onírico. El pensamiento de lo oculto e incluso lo prohibido.

Se basa en una realidad alterna; no hay lógica, secuencia o explicación razonable. De esta manera, las ideas sentimientos propios son la respuesta a todo, y la imaginción se convierte en una fuente inagotable de posibilidades de expresión.

Con un humor negro, erotismo y burla a los poderosos, el Surrealismo busca romper con los estándares de belleza tradicionales, lo cual resulta muy irónico, pues hoy día se considera al Surrealismo es una corriente que se considera muy estética.

Uno de los mayores exponentes para este movimiento fue Salvador Dalí (1904-1989) y además de pintor, fue cineasta. Básicamente él pensaba “¿De verdad se necesitan todas estas reglas sociales?” y justo por esto no es sorpresa ver el personaje que se construyó. Y, bueno, aunque él asegura que no le aportó absolutamente nada al arte, aquí estoy yo escribiendo sobre él… ve esta entrevista a Dalí en los 80’s.

salvador Dalí
Cisnes que se Reflejan como Elefantes (1937) por Dalí

Puedes ver una galería más completa e info en su sitio web oficial.

Otro autor surrealista, pero en la fotografía y en la actualidad, es Joel Robinson. Les dejo dos de sus fotos que más me gustaron:

Usa un método llamado Método Brenizer y después une todas las fotos en Photoshop para crear estas increíbles obras surrelistas. Su galería la puedes ver aquí.

¡Por cierto! Una película muy buena, que es todo un clásico y me vi cuando estaba en secundaria, es la de “El Planeta Salvaje” o La Planète sauvage (1973) la cual denota por su imaginario surrelista, obra del escritor Ronald Topor: pareciera que los paisajes de aquél excéntrico y demente planeta fueran sacados de cuadros de Dalí, y de Giorgio de Chirico, otro gran artista, fundador del movimiento de la Pintura Metafísica.

Planeta Salvaje
Captura de “Planeta Salvaje” 1973